Arquivo da tag: Análise

Zé do Caixão

15107255

  • Roteiro: André Barcinski, Ricardo Grynszpan, Vítor Mafra
  • Elenco: Matheus Nachtergaele, Maria Helena Chira, Bruno Autran, Anamaria Barreto, Walter Breda, Felipe Solari
  • Período de exibição: 13/11/2015 a 18/12/2015
  • Horário: 22h30
  • Nº de episódios: 6

Zé do Caixão foi uma produção do canal pago Space que retratou a vida do cineasta José Mojica Marins, mais conhecido por criar e interpretar o personagem Zé do Caixão. A série acompanha, sem compromisso documental, alguns anos da vida de Mojica e a produção de alguns de seus filmes, bem como a criação do icônico personagem. O elenco é composto por Matheus Nachtergaele (Mojica/Zé do Caixão), Maria Helena Chira (Dirce), Bruno Autran (Chico), Anamaria Barreto (Dona Carmen) entre outros.

A trama segue o formato episódico, ou seja, a maioria dos arcos narrativos tem início e fim no mesmo episódio. Cada capítulo mostra a produção de um filme de Mojica e, entre cada um, às vezes se passam anos. Tal escolha de formato permite, portanto, que o telespectador entenda a maior parte da trama sem precisar acompanhar todos os episódios.

No Plano da Expressão iremos destacar os seguintes indicadores: ambientação, caracterização dos personagens, trilha sonora, fotografia e edição. A história tem início em São Paulo na década de 60 e tanto a ambientação quanto o figurino são montados de acordo com a época. Nesse sentido, o indicador não só interfere no desdobramento da trama como também contribuiu para a imersão do público.

Print 1

Um fator importante é a caracterização do personagem Zé do Caixão (Matheus Nachtergaele), que segue fielmente a estética do personagem original, interpretado pelo próprio Mojica. Isso se faz importante não apenas para a verossimilhança e aproximação com a história real, mas para o envolvimento do público com a trama.

1ffa195cdeeb76f2d2a1684583cdd193_XL

A trilha sonora é predominantemente instrumental e composta, principalmente, por músicas de suspense e terror, que ambientam os filmes rodados por Mojica (Matheus Nachtergaele) como Zé do Caixão. Entretanto, outros momentos fazem uso da trilha sonora para dar o tom da cena, como aqueles divididos por Mojica (Matheus Nachtergaele) e Dirce (Maria Helena Chira), nos quais, por vezes, há músicas românticas.

A fotografia, por sua vez, é composta, na maioria das vezes, por muitas sombras, contrastes e cores escuras, o que se adequa à figura do Zé do Caixão. Além disso, quando há cenas dos filmes que estão sendo rodados nos episódios, a imagem fica em preto e branco para simular o aspecto do filme real.

Cap 01

Já a edição segue o padrão linear e não apresenta alterações cronológicas, deixando a narrativa clara ao telespectador, que não se confunde nas temporalidades exploradas na trama.

No Plano do Conteúdo iremos destacar os seguintes indicadores: intertextualidade, escassez de setas chamativas, efeitos especiais narrativos e recursos de storytelling. Em relação à intertextualidade, a trama faz referência a lugares e pessoas reais, como São Paulo e Glauber Rocha, que tem a famosa frase “uma câmera na mão e uma ideia na cabeça” citada em um dos episódios da série. Isso contribui na ambientação da produção e na verossimilhança da trama, uma vez que traz elementos da realidade a uma série que trata de um personagem que realmente existiu – o cineasta Mojica(Matheus Nachtergaele).

Em relação à escassez de setas chamativas, foram observados alguns elementos que facilitam a compreensão do telespectador a cerca do que está ocorrendo na trama. Um exemplo ocorre no primeiro episódio, onde balas de festim são trocadas por balas reais pela mulher do delegado durante a produção do filme “A sina do aventureiro”, o que acaba ferindo a atriz principal. Antes de isso ocorrer, o público já pode imaginar o que acontecerá, já que a câmera foca, mais de uma vez, nas balas de festim ao lado das balas reais.

Em relação aos efeitos especiais narrativos, a série apresenta pequenos clímax e reviravoltas em todos os episódios, mas em nenhum momento o espectador é levado a reconsiderar tudo o que viu até então. O estilo narrativo do programa também se mantém constante ao longo dos episódios.

Cap 02

Quanto aos recursos de storytelling, há, ao longo da série, algumas sequências fantasiosas, as quais são, em sua maioria, sonhos do protagonista. Isso se mostra claro, uma vez que tais sequências são em preto e branco e pode-se ver o personagem abrindo os olhos ao final dessas sequências, deixando evidente, portanto, que se tratam de sonhos. Dessa forma, pode-se perceber, também, a presença de setas chamativas.

Por Júlia Garcia

Os Normais

Dos criadores Jorge Furtado, Alexandre Machado e Fernanda Young, Os normais é uma série brasileira exibida pela Rede Globo de Televisão. No ar por três temporadas, a sitcom estreou em 1º de junho de 2001, e trazia nas noites de sexta-feira o cotidiano de Rui (Luiz Fernando Guimarães) e Vani (Fernanda Torres), um casal de noivos que há cinco anos vivia uma vida “normal”, com mal-entendidos, brigas, confusões e reviravoltas, como todo casal da vida real. Com a direção geral de José Alvarenga Jr., Os Normais exibiu 71 episódios e ficou no ar até 3 de outubro de 2003. Três anos mais tarde foi lançada na mesma emissora de TV a série Minha Nada Mole Vida, com os mesmos criadores, diretores, formato e ator principal, que também abordava o cotidiano dos personagens, mas agora o de Jorge Horácio (Luiz Fernando Guimarães) com a ex-mulher e o filho.

Aparentando ser um típico casal de classe média, na faixa dos 30 anos de idade, Rui e Vani são, na verdade, cheios de manias, preconceitos, paranoias, superstições e falhas de caráter, características que colocam em cheque a ideia de casal perfeito e pessoas normais.  O programa usa frequentemente a metalinguagem e os protagonistas falam direto com o espectador, interferindo no episódio e pedindo a aparição de “mini-flashbacks”.

No Plano da Expressão, os aspectos destaques são a vinheta do programa, a linguagem e o cenário. Na abertura do seriado, a canção de fundo “Doida Demais”, interpretada por Lindomar Castilho, compõe uma sequência de fotos aleatórias de rostos de pessoas desconhecidas, dos atores Fernanda e Luiz Fernando, de uma criança e um cachorro. Fazendo careta, sorrindo ou com expressão séria, o objetivo das fotos é fazer jus ao nome do programa, já que essas são pessoas normais, de todas as cores e idades, que faziam parte da equipe de produção da sitcom. A trilha de fundo constitui-se apenas por um único refrão da música, o trecho “você é doida demais”, que contrapõe o título do programa, já anunciando para o espectador o que se pode esperar: a personificação de pessoas normais, porém, loucas, pois aos olhos do outro, todo normal é um pouco descontrolado.

Quanto ao vocabulário adotado, o programa apresenta uma linguagem coloquial, cotidiana e cheia de palavrões, como caralho, merda, puta que pariu, xoxotas e paus, como acontece no dia a dia de muito casal “normal”. Os cenários utilizados não são variados, com a residência de cores saturadas e contrastantes de Rui sendo o principal local de gravação dos atores. Esses três elementos (vinheta, vocabulário e cenário) se complementam de modo que o espectador se identifique com o programa e se aproxime do mesmo, pois ver na televisão algo que também acontece na sua vida, de maneira tão espontânea e credível, instiga e gera curiosidade no espectador.

Além do formato em comum, equipe de criação, direção, e ator principal, outra característica vista também no seriado Minha Nada Mole Vida (lançado cinco anos após a estreia de Os Normais) é a da câmera em contra-plongée (câmera baixa, voltada para cima), apontando normalmente para o prédio em que Rui mora, com o intuito de situar o espectador sobre onde a cena seguinte se passará.

No Plano do Conteúdo, o indicador de qualidade oportunidade tem avaliação razoável em todas as emissões analisadas devido ao fato de, assim como em Minha Nada Mole Vida, abarcar assuntos cotidianos da vida dos personagens, incluindo problemas, questionamentos e prazeres da vida a dois, e não necessariamente assuntos da agenda midiática.

O indicador ampliação do horizonte do público não é muito observado no decorrer dos episódios, sendo quatro deles considerados razoáveis e um bom. Na emissão do dia 6 de junho de 2003, por exemplo, a boa avaliação é justificada pela abordagem mais longa da depressão, uma doença muito comum nos dias de hoje que necessita de atenção para que haja sempre informação sobre os sintomas e prejuízos ao paciente. Nas outras emissões, o estímulo do público ao pensamento e ao debate de ideias se dá pela inserção de reflexões a cerca de valores morais, como mentira, traição, felicidade, relacionamentos, sexo e amizade, porém de forma rápida e sem muita intensidade.

O indicador de qualidade diversidade de sujeitos representados não foi muito bem avaliado. Apesar de abordar assuntos bem diversos, as pessoas representadas na série não são muito diferentes umas das outras: todas são jovens na faixa dos 30 anos de idade, de pele branca e de classe média. Negros e crianças não aparecem em nenhum momento dos episódios e o que mais se diversificou quanto a esse indicador foi na emissão do dia 29 de junho de 2001, em que, brevemente, aparecem representantes de Nova Iorque, Tóquio e Berlim das filiais da empresa em que Rui trabalha.

Quanto ao último indicador de qualidade do plano do conteúdo, desconstrução de estereótipos, foi observado que a série faz constante uso do estereótipo para provocar o riso. Em duas das cinco emissões o estereótipo está muito presente e um pouco menos em outras três. A sitcom aborda a normalidade de duas pessoas através do uso de estereótipos, alguns sendo reforçados e outros questionados, para deixar que o telespectador tire suas próprias conclusões. No episódio exibido no dia 15 de junho de 2001, por exemplo, aos 7 minutos e 17 segundos, Rui começa a categorizar meninas de programa de acordo com o anúncio delas no jornal, baseando-se, portanto, em alguns estereótipos para afirmar o que acha:

Susi: ‘Mulherão dominadora’. Bom, ‘mulherão’ significa que já passou dos 35, né, e ‘dominadora’ significa que vai dar uns tapas na tua cara. Não… Vivian: ‘Morena, mignon, completa’. ‘Mignon’ quer dizer que tem um metro e meio, né? E ‘completa’ que tá desesperada e vai roubar teu aparelho de som.

(Os Normais – episódio Brigar é normal 15/06/2001).

Abaixo, a qualidade do plano do conteúdo, com a avaliação de cada indicador:

N1

Na Mensagem Audiovisual, Os Normais é razoável no indicador de qualidade originalidade/criatividade. Essa avaliação se deve, principalmente, ao uso da metalinguagem, comprovada quando na trama os protagonistas falam do próprio programa. Um exemplo disso está no episódio Um dia normal, exibido no dia 29 de junho de 2001, que traz Rui e Vani sentados no sofá da sala jogando dama, enquanto os bastidores arrumam o cenário. No momento em que Rui e Vani começam a interagir com o espectador que está do outro lado da tela, antes mesmo da vinheta de abertura, mostra-se um profissional do programa segurando o cartaz com as falas que serão ditas, e os atores (que se confundem com seus próprios personagens) olham para a câmera como se estivessem falando com o público.

RUI: Oi gente, é pra gente voltar com o programa agora…

VANI: …Mas a gente pediu pra passar mais uns comerciais.

RUI: É, porque nós estamos numa disputa importante.

VANI: É, se eu ganhar o Rui vai ter que lavar toda a louça da casa.

RUI: Não, mas ela não vai ganhar não.

VANI: E, não vou ganhar o quê, ó.

RUI: Pera aí, você roubou.

VANI: Ahh, roubei nada.

RUI: Você roubou enquanto eu estava falando com eles.

(Os Normais – episódio Um dia normal 29/06/2001)

Além da metalinguagem, outro momento criativo do programa que ajuda a incrementar o indicador originalidade/criatividade é na propaganda de um produto, em que Os Normais faz uso do humor sobre a própria situação do merchandising para divulgar uma marca.

No indicador de qualidade diálogo com/entre plataformas, todas as emissões são boas, pois é comum vermos nos episódios ao menos uma menção a outra plataforma, programa ou personalidade. No exibido no dia 2 de maio de 2003, por exemplo, Rui questiona Vani sobre ela não dar mais atenção a ele por causa da novela, quando Vani o interrompe:

VANI: Peraí, que vai começar.

RUI: Pô, ainda tá no Jornal Nacional, cara.

VANI: Não, mas agora é assim, eles colam o início da novela no fim do Jornal Nacional. Se você bobeia, você perde o início do capítulo, entendeu?

(Os Normais – episódio Casal que vive brigando não tem crise 02/05/2003)

Após dialogar com um programa real (Jornal Nacional), a história continua e Vani mais uma vez menciona outro conteúdo que não é da trama, dessa vez com personalidades: “É, por exemplo, hoje, a Christiane Torloni e o José Mayer, antes mesmo da abertura da novela, eles vão transar, brigar e transar de novo”. Ainda na sequência, Vani novamente cita pessoas reais, o que mais uma vez justifica a avaliação boa que o indicador diálogo com/entre plataformas recebeu: “Peraí, peraí, que a Fátima Bernardes e o William Bonner já estão dando aquela notícia divertida do fim do Jornal Nacional”.

O indicador de qualidade solicitação da participação ativa do público foi muito bem avaliado em todas as emissões e é um dos indicadores de maior destaque no programa, tanto da mensagem audiovisual quanto do plano do conteúdo, e também pode ser exemplificado com o episódio mostrado acima. Na sequência da trama, ainda na discussão da novela, Rui conversa com Vani sobre saber antecipadamente o que vai acontecer nas novelas e no episódio que estão fazendo:

RUI: Por isso que eu não acompanho novela. Todo mundo já sabe o que vai acontecer, caramba.

VANI: Todo mundo já sabe que a gente vai passar o episódio discutindo, e nem por isso as pessoas param de assistir.

RUI: É, todo mundo já sabe que a gente vai ficar junto no final. Estão assistindo por causa de quê?

VANI: Não, não faz essa pergunta se não as pessoas trocam. Não! Não troca de canal.

(Os Normais – episódio Casal que vive brigando não tem crise 02/05/2003)

Além de usar a metalinguagem para falar do próprio programa, os personagens utilizam também esse recurso para falar do público e com ele. Como mostrado acima, nas duas últimas falas de Rui e Vani, há uma mescla de receptores da comunicação estabelecida: ora os personagens falam um com o outro, e ora voltam-se para o espectador. Em seguida à última fala de Vani, o programa faz uso de efeitos especiais para simular a troca de canal do espectador e na tela é mostrada uma cena de tiroteio em que várias pessoas estão sendo mortas. Novamente o efeito especial é utilizado para simular que o espectador voltou para o canal do programa e Rui vai ao banheiro sozinho para conversar com o público. Olhar e falar para a câmera, como se estivesse olhando para os olhos do espectador e esperando dele uma resposta, faz dessa técnica, portanto, mais um instrumento de identificação e aproximação de público e programa.

O indicador de qualidade clareza da proposta é, como o indicador anterior, igualmente bem avaliado. Toda essa intensa metalinguagem utilizada, juntamente com a atuação dos personagens e o formato bem definidos, são essenciais para a clareza e objetivo do programa. No exibido dia 15 de junho, por exemplo, a história já se inicia com os dois protagonistas em cenários diferentes e queixando-se um do outro, o que deixa evidente que os assuntos abordados no episódio serão os problemas que o casal tem entre si e as consequências do desejo de vingança que cada um sustenta consigo após os vários insultos mútuos. Observe, a seguir, a avaliação de cada indicador da mensagem audiovisual:

N2

Levando em consideração os episódios aqui analisados, que representam apenas uma pequena parcela de Os Normais e não necessariamente a sua totalidade, podemos afirmar que a série apresenta poucas características de qualidade. Por mais objetiva, curiosa e instigante que tenha sido (experimentação), as emissões analisadas não prezam pela diversidade cultural, faz constante uso do estereótipo de afirmação para gerar o riso e não aprofunda em temas importantes devido ao pouco tempo que dedica a eles (representação), por mais que tais temas tenham sido levantados.

Por Luma Perobeli

Treme, Treme

treme-treme-caruso-gustavomendes

 

  • Direção: Pedro Antonio Paes
  • Roteirista: Letícia Dornelles
  • Elenco: Gustavo Mendes, Fernando Caruso, Márcia Cabrita, Lindsay Paulino e Caike Luna
  • Período de exibição: 01/11/2015 a 26/05/2016
  • Duração: 25 minutos
  • Nº de episódios: 50

Exibido pelo canal pago Multishow, o sitcom Treme, Treme é protagonizada por Gustavo Mendes e Fernando Caruso. Na trama os humoristas interpretam o zelador Belmiro e o porteiro Gilmar, respectivamente. Ao longo dos episódios da série os funcionários têm que lidar com os encontros inusitados e o cotidiano dos moradores na portaria de um prédio residencial e comercial Treme Treme, em São Paulo.

Além do elenco fixo composto por Márcia Cabrita, Lindsay Paulino e Caike Luna, as esquetes contam com a participação dos competidores do Prêmio Multishow de Humor e de comediantes veteranos. A cada episódio os humoristas vão se revezando em diferentes papeis.

Fernando Caruso interpreta o porteiro Gilmar. O personagem é dedicado, está sempre atento a tudo, porém possui um lado ranzinza, que o torna antipático. Já o zelador Belmiro (Gustavo Mendes), assume a portaria quando Gilmar (Fernando Caruso) precisa se ausentar. O personagem é enrolado, muito desatento e adora aumentar o que ouve.

treme-treme-nerso-da-capitinga-ju-coutinho

Além dos protagonistas, a atração conta com mais de 30 personagens. Entre os tipos estão o faxineiro Gagoberto (Caíke Luna), o torcedor fanático Faisão (Felipe Ruggeri), o estranho garotinho Jaquisom David (Rafael Mazzi), o funkeiro Gigante Ostentação (Gigante Léo) e a dupla sertaneja Três Marias (Larissa Câmara e Bia Guedes). Entre as participações especiais estão nomes como Ary Toledo, Ceará, Dani Valente, Gorete Milagres, Marcelo Marrom, Nany People, Paulinho Serra, Pedro Bismarck, Samantha Schmütz, Sergio Mallandro e Tirullipa.

No Plano da Expressão iremos analisar os indicadores: ambientação, caracterização dos personagens, trilha sonora, fotografia e edição.

As esquetes da série Treme Treme são ambientadas no prédio residencial e comercial que leva o nome do programa. Entretanto, o único ambiente explorado é a portaria do edifício.

ddd

A cada episódio do telespectador acompanha a entrada e a saída dos moradores e funcionários do Treme Treme. Além da limitação do cenário, que retratada, em todos os 50 episódios o mesmo espaço, a ambientação da trama não apresenta verossimilhança. Os objetos cênicos se distanciam dos que integram, normalmente, um prédio residencial e comercial.

1280x720-pQh

Outro ponto que chama a atenção na ambientação da série é que apesar da portaria do edifício ser o principal cenário onde que desdobram todos os arcos narrativos da história, em momento algum o indicador contribui efetivamente para a atração. Isto é, a ambientação só serve como pano de fundo para as esquetes e não interfere do desenvolvimento do sitcom.

Por se tratar de uma série episódica a caracterização dos personagens de Treme Treme tem a função de passar uma mensagem instantânea para o telespectador. Em outras palavras, os personagens são construídos a partir de arquétipos nesse sentido as roupas e o gestual são facilmente compreendidos pelo público.

Alguns personagens vestem, praticamente, a mesma roupa durante vários episódios, como, por exemplo, a síndica (Márcia Cabrita). Muito rigorosa com as regras do edifício, um pouco louca e com um prazer imenso em mandar, a personagem está usando o mesmo figurino ao longo das temporadas, independente da situação.

Treme-Treme-Marcia-Cabrita-Caruso

A trilha sonora de Treme Treme é composta por efeitos sonoros pontuais que marcam a transição das esquetes. Desta forma, os episódios não apresentam músicas e/ou faixas instrumentais.

A fotografia é norteada pelo estilo naturalista, a variação de iluminação e uso de filtros não esteve presente na análise das temporadas. Todos os episódios possuem o mesma tonalidade e o mesmo contraste.

63d6

Por ser gravada em um teatro no Rio de Janeiro, a edição de Treme Treme é linear. As esquetes não exploram múltiplas temporalidades e se passam apenas no presente.

No Plano do Conteúdo iremos destacar os seguintes indicadores: intertextualidade, escassez de setas chamativas, efeitos especiais narrativos e recursos de storytelling.

Por ser composta por várias esquetes e personagens a série apresenta várias intertextualidades, as referências externas ao universo ficcional da trama abrangem desde figuras conhecidos do cenário humorístico nacional como, Juninho Play, interpretado por Samantha Schmutz, até citações a Caio Ribeiro, Casagrande, Galvão Bueno, entre outras personalidades do âmbito televisivo.

209_tremetremejuninho_1

Apesar de não serem fundamentais para a compreensão das esquetes, ao reconhecer as intertextualidades os telespectadores têm uma experiência mais rica da trama, passando por várias camadas interpretativas.

O indicador escassez de setas chamativas não foi observado em Treme Treme. Nesse sentido, vários elementos da trama apresentam cartazes narrativos dispostos convenientemente para ajudar o público a entender o que está acontecendo. Desde a abertura da atração até os diálogos encenados pelo elenco não exigem esforço analítico dos telespectadores, os desdobramentos narrativos são didaticamente pontuados.

Por fim, os indicadores efeitos especiais narrativos e recursos de storytelling também não foram identificados nas temporadas de Treme Treme. Os arcos narrativos não estimulam o telespectador a reconsiderar o paratexto e as histórias exploram a mesma temporalidade, estética e narratológica.

Por Daiana Sigiliano

Trair e coçar é só começar

TeC

  • Escrita por: Marcos Caruso e Gisele JorasElenco: Cacau Protásio, Márcia Cabrita, Daniele Valente, Bento Ribeiro, Gorete Milagres, Marcelo Flores, Vinicius Marins, Cássio Scapin e Pedroca Monteiro.
  • Duração: 45 minutos
  • Período de exibição: 24/11/2014 a 31/08/2015
  • Nº de episódios: 26

Escrita por Marcos Caruso e Gisele Joras, a série Trair e coçar é só começar é protagonizada pela empregada doméstica Olímpia (Cacau Protásio). A personagem passa por conflitos relacionados à separação do seus dois patrões, Inês (Márcia Cabrita) e Eduardo (Cássio Scapin). A partir de então Olímpia (Cacau Protásio) passa a se dividir entre os dois e decidida a unir o casal novamente apronta várias confusões com ajuda de Lígia (Dani Valente), Cristiano (Marcelo Flores), Zilda (Gorete Milagres) e Joel (Vinícius Marins).

O elenco conta com nomes como Cacau Protásio, Márcia Cabrita, Daniele Valente, Bento Ribeiro, Gorete Milagres, Marcelo Flores, Vinicius Marins, Cássio Scapin e Pedroca Monteiro. Os arcos narrativos giram em torno das tentativas de Olímpia (Cacau Protásio) de reatar o casamento de seus patrões Inês (Márcia Cabrita) e Eduardo (Cássio Scapin). Por ser norteado pela estrutura episódica, cada episódio apresenta um arco narrativo isolado, sempre se iniciando com um equilíbrio, passando por conflito e culminando no equilíbrio novamente, no desfecho.

No Plano da Expressão iremos analisar os indicadores: ambientação, caracterização dos personagens, trilha sonora, fotografia e edição.

A série Trair e coçar é só começar é gravada em um teatro, sendo assim seu cenário é fixo e, neste caso, não apresenta nenhuma mudança durante a narrativa. Outro aspecto importante na análise do indicador é a composição do ambiente. A trama do canal pago Multishow apresenta um cenário com dois andares, o andar de baixo representa a casa de Inês (Márcia Cabrita) e Eduardo (Cássio Scapin) e o andar de cima é a cobertura, também de posse do casal. No episódio Separação a visualização simultânea dos dois ambientes por parte do telespectador era necessária para a compreensão da narrativa, uma vez que parte do humor e desenvolvimento da trama envolviam conflitos que aconteciam nos dois ambientes no mesmo momento.

Untitled 2

Considerando a personalidade plana dos personagens, ou seja, baseada em arquétipos, a caracterização é responsável por fazer o telespectador entender rapidamente o papel desempenhado por cada um na narrativa. Assim, Inês (Márcia Cabrita) compondo uma mulher rica e bem-sucedida veste peças de tecidos leves, calças de alfaiataria e sapato de salto e seu marido Eduardo (Cássio Scapin), um médico de sucesso, está sempre de roupa social.

Untitled 3

Untitled 4

A série não apresenta trilha sonora ao longo dos episódios. Há apenas a presença de efeitos sonoros ressaltando encerramento de cada episódio. A fotografia de Trair e coçar é só começar é pautada pela iluminação característica de teatro onde a atração é gravada. Apesar disso, o indicador não influência no desdobramento dos arcos narrativos.

Por ser também uma peça de teatro, a edição da série se apresenta de forma linear, ou seja, não utiliza de outra cronologia além do presente.

No Plano do Conteúdo iremos destacar os seguintes indicadores: intertextualidade, escassez de setas chamativas, efeitos especiais narrativos e recursos de storytelling.

Trair e coçar é só começar não apresenta nenhum tipo de intertextualidade no seu enredo, ou seja, não traz nenhuma referência externa ao universo ficcional da série.

A atração apresenta setas chamativas, em forma de repetição de acontecimentos. Por exemplo, no episódio Casamento de Neco, o personagem Túlio (Pedro Monteiro) reforça em forma de diálogo com Cristiano (Marcelo Flores) que acontecerá um casamento e outras informações que já foram apresentadas ao telespectador anteriormente. Desta forma, o indicador não foi observado no programa. Nesse sentido, o indicador escassez de setas chamativas não foi identificado.

Compondo a estrutura episódica, as reviravoltas são presentes em cada episódio e são solucionadas no mesmo episódio, fechando o arco narrativo. Apesar de ser esperado pelo telespectador, o clímax não deixa de cumprir seu papel de representar uma quebra na narrativa. As reviravoltas são importantes para a trama, porém não tão significativas a ponto de fazer o telespectador reconsiderar toda a história até então, aspecto central dos efeitos especiais narrativos.

Por último, os recursos de storytelling não são explorados em Trair e coçar é só começar. A série não apresenta flashbacks, sequências fantasiosas ou múltiplas perspectivas.

 Por Mariana Meyer

TOCs de Dalila

Tocs De Dalila - A Entrevista de Dalila Assista online no Mu.mp4_snapshot_00.32_[2017.11.23_23.19.43]

  • Direção: Daniela Braga
  • Elenco: Heloísa Pérrissé, Thelmo Fagundes, Bruno Jablonski, Analu Prestes, Maria Clara Gueiros, Alice Borge, Paulo Betti, Luisa Pérrissé, Mouhamed Harfouch, Lorena Comparato
  • Período de exibição: 12/09/2016 – 25/11/2017
  • Horário: 22h30
  • Nº de episódios: 25

TOCs de Dalila é uma série ficcional exibida pelo canal pago Multishow e co-produzida pela Rede Globo e A Fábrica. Criada e estrelada por Heloísa Périssé, em parceria com Denise Crispun e João Brandão, a série, composta por duas temporadas, gira em torno de Dalila (Heloísa Périssé), uma psicóloga que se afastou da carreira para se dedicar à família.

Sua família, então, é formada pelo marido Pedro Henrique (Thelmo Fernandes), vendedor de seguros dedicado ao trabalho e pelo filho Tuka (Bruno Jablonski), adolescente superprotegido viciado em internet e jogos eletrônicos. Na casa também vive Dona Clara (Analu Prestes), sua sogra, recém-viúva de características conservadoras e dissimuladas. Cansada da rotina que se tornou seu casamento e da falta de tempo do marido, Dalila se tornou neurótica por limpeza e organização. Tentando ajudar a amiga, Olga (Maria Clara Gueiros) a incentiva a buscar uma forma de voltar ao mercado de trabalho. Neste meio tempo, o filho Tuka posta um vídeo na internet que transforma Dalila em uma celebridade virtual.

A obsessão de Dalila por limpeza acaba rendendo frutos quando ela passa a ser contratada para organizar ou dar dicas de organização para as pessoas, a quem também ajuda com seus problemas emocionais. Quando o marido perde o emprego, o trabalho de Dalila passa a ser o sustento da família e isto acaba trazendo problemas para sua relação com Pedro Henrique, que começa a ter problemas de autoestima.

A série, de formato episódico, gerou um vlog real da personagem Dalila no canal Humor Multishow do YouTube com dicas de organização e conselhos sentimentais. Os vídeos simulam uma gravação e edição caseiras realizadas por uma mulher que ainda não está íntima no manuseio de equipamentos eletrônicos. Durante a exibição da primeira temporada na televisão fechada, foram liberados cinco vídeos com temas como “Como organizar uma gaveta”, Bolsa de mulher” e “Dicas de limpeza”.

23949303_1967240013292161_1134906194_o

Nesta análise, temos como base a primeira temporada da trama, exibida em 2016 e analisamos no Plano da Expressão os seguintes indicadores: ambientação, caracterização dos personagens, trilha sonora, fotografia e edição. A ambientação de TOCs de Dalila é a cidade do Rio de Janeiro e seus bairros habitados em sua maior parte por pessoas com renda média. O apartamento da família é o cenário principal, sendo mobiliado com móveis e objetos antigos. O imóvel, contudo, se torna insuficiente com a chegada de Dona Clara, que é obrigada a dormir na sala, provocando irritação em Dalila.

 Tocs De Dalila - A Entrevista de Dalila Assista online no Mu.mp4_snapshot_13.25_[2017.11.23_23.12.50]Tocs De Dalila - O Prcipe Virou Um Sapo Assista online no .mp4_snapshot_15.09_[2017.11.23_23.16.24]

A academia e a praça próxima ao condomínio com o trailer de sanduíches e cachorro-quente “Saldanha” também são pontos de encontro dos personagens. Desta forma, a ambientação escolhida, aliada à caracterização dos personagens, contribui para a fácil identificação da situação financeira da família com a classe média brasileira.

Tocs De Dalila - Meu Mundo Caiu Assista online no Multishow .mp4_snapshot_22.21_[2017.11.23_23.28.26] Tocs De Dalila - A Entrevista de Dalila Assista online no Mu.mp4_snapshot_15.36_[2017.11.23_23.27.21]

Quanto à caracterização dos personagens, destacamos a construção do figurino das personagens baseados em arquétipos. Nesse sentido, o indicador dialoga diretamente com o formato episódico da série. Dalila usa roupas em tons sóbrios como saias longas cinzas e marrons, blusas brancas e pretas e cardigãs bordô, além de jóias e maquiagem discretas, reforçando o estereótipo de mãe. Em contraponto, temos a amiga Olga, solteira e usuária de aplicativos de paquera, que usa decotes, brincos grandes, calças coladas e roupas de academia transparentes.

Tocs De Dalila - A Entrevista de Dalila Assista online no Mu.mp4_snapshot_14.51_[2017.11.23_23.13.00] Tocs De Dalila - A Entrevista de Dalila Assista online no Mu.mp4_snapshot_03.15_[2017.11.23_23.36.21]

Outros personagens também são pautados por arquétipos como, por exemplo, Tuka, o filho viciado em computadores, que usa óculos e tem corpo franzino e Pedro Henrique, o marido, workaholic que não fica sem roupas sociais um único momento.

A trilha sonora de TOCs de Dalila consiste em instrumentais de acompanhamento de sequências cômicas ou de suspense e transição de cenas, com o único intuito de sinalizar estas ocasiões.

Como outras produções do canal Multishow, conta com uma fotografia naturalista, não influenciando assim na compreensão e no desdobramentos dos arcos narrativos da série. A edição dos episódios analisados é linear, seguindo apenas uma temporalidade.

No Plano do Conteúdo destacamos os seguintes indicadores: intertextualidade, escassez de setas chamativas, efeitos especiais narrativos e recursos de storytelling.

O primeiro indicador, intertextualidade, não foi constatado nos episódios analisados de TOCs de Dalila. A escassez de setas chamativas também não é contemplada na série. A partir do corpus de análise identificamos cartazes chamativos na abertura, onde são simbolizados em forma de animação os transtornos por organização e limpeza de Dalila e o sucesso da personagem na web. Dentro da série, diálogos também diminuem o esforço analítico do telespectador na compreensão da narrativa. Por exemplo, após Dalila desconfiar que Paulo Henrique a trai, ocorre um diálogo entre a protagonista e sua amiga Olga, em que ela relata a preferência da sogra pela ex-namorada do marido, a descoberta de um celular desconhecido nas roupas dele e as ligações confidenciais recebidas pelo marido enquanto tomava banho. Sendo assim, ao confidenciar seus problemas conjugais com a amiga, a personagem faz uma espécie de resumo para o telespectador do desenrolar de sua história.

Tocs De Dalila - A Entrevista de Dalila Assista online no Mu.mp4_snapshot_06.42_[2017.11.23_23.31.41]

Por seguir uma linearidade, o clímax e reviravoltas das micronarrativas da série são já esperados pelo telespectador, o que acontece também com o arco narrativo que permeia toda a temporada. Também não identificamos nos episódios analisados o uso de flashbacks, flashforwards ou sequências fantasiosas. Desta forma, os indicadores de efeitos especiais narrativos e recursos de storytelling não foram constatados na produção.

Por Léo Lima

Crítica e riso: Filomena e “Rio Doce – 60 Dias Depois”

filo

Os rejeitos advindos dos processos de extração de minério de ferro pela mineradora Samarco, localizada em Mariana-MG, eram concentrados em um dique que se rompeu no dia 05 de novembro de 2015, fazendo com que cerca de 32,6 milhões de m³ desse material escapassem do reservatório. Os sedimentos cobriram os distritos de Bento Rodrigues e Paracatu de Baixo. A tragédia provocou a morte de 19 pessoas, derrubou grande parte das infraestruturas dos locais e inundou casas e propriedades rurais, atingindo cerca de 2,2 mil hectares.

O material fluiu até Barra Longa-MG, no distrito de Gesteira, onde atingiu o Rio Doce. Em uma extensão de 113 km, os detritos prejudicaram a pesca, a fauna e flora típica dos locais e o abastecimento de água potável em todo o percurso das águas do rio, de Minas Gerais até o Espírito Santo.

Dois meses após a tragédia, o documentário “Rio Doce – 60 dias depois – a atriz Gorete Milagres e o Fotógrafo Domenico Pugliese na rota da lama” foi ao ar na página da atriz em seu canal no YouTube. No vídeo, a atriz volta a encarnar a personagem Filomena / Filó para percorrer os principais locais aonde os detritos causaram maior impacto, conversando com moradores e expondo as principais dificuldades do cotidiano dos atingidos. O documentário nasce, como salienta Comolli (2008), a partir de um encontro: o do documentarista com a fragilidade do momento em que se depara com o caos ali instaurado.

O documentário, que mescla a atuação e a construção de uma personagem fictícia em meio a um cenário real, transgride os dois espaços principais do cinema: o da ficção e o da não ficção. No entanto as próprias distinções entre ficção e não ficção são diluídas nos estudos cinematográficos desde os primórdios do cinema, quando o hibridismo midiático e as referências extratextuais já começavam a se notar presentes nas produções audiovisuais.

Os limites entre a realidade e a ficção também tangem outra problemática: a inserção do grotesco em produções humorísticas e vice-versa. Segundo Sodré (2002), o grotesco é marcado pela figura do rebaixamento (bathos) em uma junção de elementos heterogêneos, nos quais os sentidos são postos em deslocamentos escandalosos e em situações absurdas.

O produto documental dialoga com a literacia fílmica, marcada pela capacidade do sujeito contemporâneo de analisar e avaliar o poder de imagens, sons e mensagens que o confrontam. A partir do encontro entre o documentarista, a personagem e a população com a fragilidade no momento do caos, a estratégia pôde ser utilizada na produção de um discurso capaz de acometer o espectador em afetos necessários para trabalhar em prol da população atingida.

Por Iago Rezende

Segredos Médicos

419e7799115bc8c36c279a4cb0c2

  • Período de exibição: 07/04/2014 – 31/07/2015
  • Horário: 23h30
  • Nº de episódios: 40

Segredos Médicos foi uma série exibida pelo canal Multishow entre abril de 2014 e julho de 2015. O programa mostra histórias fictícias baseadas em casos reais para simular o ambiente de um hospital e as relações entre médicos e pacientes. A série se assemelha a outras produções com a temática, como Pronto-Socorro: Histórias de Emergência.

Cada episódio acompanha o dia-a-dia de um hospital, com cerca de três casos de pacientes, os quais possuem uma história dramática como pano de fundo. Um exemplo é o caso, no primeiro episódio, do adolescente alcoólatra, que chega ao hospital com queixas de dores no braço. Ao longo da consulta o médico suspeita que o menino seja vítima de agressões, mas acaba descobrindo, no decorrer do episódio, que o adolescente, na verdade, é alcoólatra. O estilo falso-documentário do programa, que acompanha o dia-a-dia, corrobora o formato episódico da série, pois, como em cada episódio há casos diferentes e desconectados, o público não precisa acompanhar toda a trama para entender a narrativa.

No Plano da Expressão iremos destacar os seguintes indicadores: ambientação, caracterização dos personagens, trilha sonora, fotografia e edição. Em relação à ambientação, os episódios se passam dentro de um hospital, o qual é representado de modo verossimilhante, assim como a caracterização dos personagens. O figurino muda de acordo com a personalidade, ocupação e classe-social de cada paciente, além de os médicos sempre se vestirem com jalecos brancos.

 Print 1

Print 2

Já em relação à trilha sonora, há músicas instrumentais em alguns momentos mais tensos dos episódios, assim como ocorre em realities médicos. Quando o caso de algum paciente se encerra, há também músicas não-instrumentais que corroboram o clima da cena, como no episódio em que a paciente tem um transplante de rim bem-sucedido.

A fotografia segue um padrão naturalista, o que condiz com o formato de falso-documentário da série. Os indicadores do Plano da Expressão são construídos de modo a enfatizar a proposta de falso-reality e fazer com que o espectador se confunda sobre os casos, achando que eles são, de fato, reais, e não apenas ficção.

Print 3 Print 4

Já a edição segue o padrão dos programas de documentários médicos, não possuindo grandes alterações cronológicas. Os casos dos pacientes são intercalados e, ao final dos episódios, todos se encerram. Há também a inserção de artes identificando os médicos e pacientes, como nos documentários.

Print 5 Print 6

No Plano do Conteúdo iremos destacar os seguintes indicadores: intertextualidade, escassez de setas chamativas, efeitos especiais narrativos e recursos de storytelling. Em relação à intertextualidade, há menções a lugares reais, como, por exemplo, Belo-Horizonte e Vale do Jequitinhonha, que servem como pano de fundo para um caso de doença de chagas no décimo episódio da primeira temporada. Tais referências aproximam o programa do telespectador e conferem verossimilhança aos casos médicos.

Quanto à escassez de setas chamativas, o seriado apresentou algumas setas chamativas, que explicavam melhor ao espectador termos e situações médicas. Essas explicações aconteciam ao longo dos episódios, nos quais os próprios médicos explicavam à câmera certas situações que apareciam durante os casos. Desse modo, o público não tem dificuldades para compreender e acompanhar a produção.

Print 7 Print 8

Os efeitos especiais narrativos podem ser observados nos clímax e reviravoltas que ocorrem durante os casos dos pacientes, geralmente relacionados às situações dramáticas que os envolvem como pano de fundo. Entretanto, em nenhum momento o espectador é levado a reconsiderar tudo o que foi visto até então. O formato narrativo do programa também não se altera ao longo das temporadas.

Já os recursos de storytelling, como analepses, sequências fantasiosas ou flashbacks, não foram observados durante as emissões analisadas do seriado, o qual não obteve, portanto, nenhum destaque no indicador.

Por Júlia Garcia

É pó, é pedra, é o vício no meio do caminho

23660025_1957326210950208_1799782868_oEntre março e julho de 2010, sete meninos adolescentes participaram de uma oficina realizada no Centro de Atendimento Socioeducativo (CASE) de Goiânia, realizada pelo Movimento do Vídeo Popular. Com a intenção de fazer com que os jovens aprendessem técnicas audiovisuais, um dos resultados foi a produção do documentário É pó, é pedra, é o vício no meio do caminho, protagonizado, gravado, dirigido e montado pelos meninos (sob o acompanhamento da equipe que realizou a oficina), que imprimem no vídeo seu envolvimento com as drogas e o crime, no meio das suas diferentes trajetórias de vida.

- “Minha mãe mesmo, nunca morei com ela e nunca vou morar, porque ela não tem amor por mim. [...] O único amor que eu tinha era da minha avó, quando eu era menino”.

Com pouco mais de 15 minutos, o curta traz depoimentos dos internos, que são indagados por quem está atrás das câmeras. Só na metade do filme percebemos que o olhar de quem registra as imagens é o mesmo que o daquele que fala diante da câmera, e também é o mesmo que o de quem faz a montagem final: o olhar de jovens que se encontram numa mesma situação. Tal percepção se dá aos 8min e 23seg, quando o menino que fala aponta o dedo para a câmera e adverte o amigo que grava para que ele faça um depoimento, já que também “é um usuário de crack”.

As falas em off, que pouco aparecem no vídeo, são suficientes para que o espectador perceba a importância das intervenções e da montagem do filme para que a condução da narrativa seja a pretendida pelos idealizadores. No desenrolar do tempo, as perguntas e intervenções direcionam os internos para que eles falem o que os diretores (e também a equipe do Movimento do Vídeo Popular) querem ouvir, e o olhar dos montadores prevalece para fazer com que as imagens e depoimentos, após edição, se correlacionem e façam sentido.

- “Se eu roubar de uma pessoa, todo mundo vai ficar sabendo e eu vou ser chamado como ladrão na sociedade. Mas não é por mim, é pelo vício da droga que faz eu fazer isso”.

Pensar no julgamento feito pelas pessoas e na ociosidade que precede o início do uso das drogas é o que pretendem os sete jovens e os realizadores da oficina, que lapidaram o material bruto gravado e protagonizado pelos meninos. As primeiras falas já explicitam esses objetivos, como a proferida aos 29 segundos, que denuncia a discriminação social sofrida por eles: “Eu andava nas ruas, as pessoas já ficavam me olhando, fui desgostando. [...] Eu saía numa terça, ficava uma semana sem voltar em casa. Quando voltava os vizinhos estavam tudo com o olho desse tamanho me olhando”.

Sobre a ociosidade que permeia a vida desses adolescentes, resultado de uma estrutura familiar calcada na pouca atenção dos pais dedicada aos filhos devido às tensões familiares ou à necessidade de se trabalharem e não ter com quem deixá-los, um dos meninos é enfático: “Minha irmã é mais nova que eu. Minha mãe trabalha a maioria do tempo. Trabalha em três serviços. Passa a maioria do tempo fora de casa trabalhando, e eu fico sozinho a maioria do tempo”.

23698697_1957326114283551_823194264_o

Anunciada a linha narrativa do que vai se seguir, o curta imprime as histórias e os olhares dos internos, mas também o olhar dos idealizadores do projeto Movimento do Vídeo Popular, que ensinou, guiou e acompanhou os meninos em todos os processos de produção da obra, deixando refletir, portanto, também as suas concepções acerca do que seria interessante mostrar.

O curta não deixa claro até que ponto os jovens tiveram autonomia e/ou exclusividade para imprimirem as suas asserções de mundo, por isso, perceber que a abordagem selecionada é também fruto de um recorte feito por quem está fora dos muros do CASE, é imprescindível para que o espectador entenda que o vídeo não é a realidade, mas a representação de uma das inúmeras possíveis realidades que permeiam o assunto.

Como afirma Comolli (2008, p. 80), “longe de filmar a-realidade-tal-como-ela-se-dá, o cinema só pode apreendê-la como acumulação de relações” e, dessas relações, além do objetivo de ensinar técnicas audiovisuais para os jovens do CASE, trazer à tona as questões que cercam os jovens envolvidos com drogas, através de suas próprias falas, é também um meio de provocar neles a reflexão sobre o que fizeram.

Apesar das encenações inerentes a qualquer personagem que está sendo filmado, tais reflexões podem se mostrar, por vezes, confusas, porém, reais. Junto a esses pensamentos, os cortes se mostram poderosos quando a intenção é passar uma determinada ideia, dando pouca abertura para contestações.

Aos 7min e 44seg, por exemplo, um dos meninos manifesta sua vontade em parar de fumar crack e cometer crimes: “Sair dessa vida, que eu não dou conta mais não. Tô cansado de apanhar, cansado de ficar preso, enjaulado. Vou sair dessa vida”. Após, uma voz ao fundo se faz audível e diz “você acha que você vai…”. Um corte é feito e na sequência o garoto continua: “Sair pra estudar, né, porque eu não gosto de estudar não, falar pra você. Quando eu vejo um caderno, eu vou falar pra você, dá vontade de sumir”.

Enquanto na primeira fala o menino se mostra otimista quanto às mudanças, na fala imediatamente posterior ao corte o tom é pessimista e desanima o espectador, que talvez tenha dificuldades em depositar nele esperança com relação à sua melhora. Por mais que digam querer sair “dessa vida”, parece que eles mesmos não “botam fé” no que dizem (vide o fato de estarem em um centro socioeducativo, local para jovens reincidentes no crime).

23633399_1957327350950094_1060914558_o

Esse mecanismo do corte seco no meio da fala, que imprime no espectador um tom pessimista para o futuro do adolescente, de certa forma reforça o estereótipo de que esses jovens “não têm mais jeito”, que estão “perdidos na vida”, e que “não têm mais volta”. Não explicitar até que ponto os jovens tiveram autonomia e/ou exclusividade na produção do filme é o que deixa margem para o espectador pensar que essas impressões talvez sejam fruto das intervenções de quem está fora dos muros do CASE, e não de quem está dentro.

O documentário, ao usar do dispositivo de ceder a câmera e a montagem aos meninos, consegue ser político não por quebrar estigmas e padrões, mas por abordar as duas temáticas centrais que, de certa forma, colocam o espectador num lugar de desconforto ao fazê-lo sentir-se culpado (ou, ao menos, sensível) diante da situação dos meninos, que pouco indica um futuro diferente. Dessa forma, uma brecha para a reflexão espectadora talvez seja, assim, possível e instigada.

E por mais que essas percepções infelizes sejam o estereótipo do que se esperar dos jovens que se envolvem com drogas, o fato desse estereótipo ser comum é o que nos faz refletir que a sociedade que julga e discrimina, é também a sociedade que condena; que segregar e não dar oportunidades só reproduz a lógica escravocrata que determina o lugar e o destino de cada um; que lutar para permanecer livre é a solução encontrada, e que subsistir na rua talvez seja o plano de fuga mais viável para essa condenação.

“A sociedade me influenciou por causa disso. Por causa da falta de oportunidade. Porque eles pensam que a gente faz os erros uma ou duas vezes, a gente não pode mudar de vida, que vai ser sempre aquilo”, disse um dos meninos aos 7min e 30seg. Pelas histórias, percebe-se que o tempo desses jovens não caminha com o relógio, mas com a vontade de viver intensamente o pouco tempo que ainda lhes restam, a pouca parte que lhes cabem desta sociedade que já os condenou.

Assista ao documentário: http://curtadoc.tv/curta/comportamento/e-po-e-pedra-e-o-vicio-no-meio-do-caminho/

Por Luma Perobeli

 

Procurando Casseta & Planeta

c1

  • Elenco: Beto Silva, Cláudio Manoel, Hélio de la Peña, Hubert Aranha, Marcelo Madureira, Reinaldo Figueiredo.
  • Período de exibição: 17/10/2016 a 14/11/2016
  • Duração: 25 minutos
  • Nº de episódios: 20

Exibido pelo canal pago Multishow, Procurando Casseta & Planeta marca o retorno dos humoristas Beto Silva, Cláudio Manoel, Hélio de laPeña, Hubert Aranha, Marcelo Madureira e Reinaldo Figueiredo após um longo período longe da televisão. Ao longo dos 20 episódios, com cerca de 25 minutos de duração, a série mistura esquetes de personagens populares da franquia como Maçaranduba e Seu Creysson, depoimentos de populares nas rua do Rio de Janeiro e um mockumentary.

Com a premissa de reunir os integrantes do famoso programa dos anos 1990 para a gravação de um documentário Cláudio Manoel sai em busca dos seus ex-parceiros. Porém, os humoristas já estão envolvidos com outros projetos e, principalmente, enfrentando dificuldades para retomar a carreira de sucesso.

Mesclando o mockumentary com as referências aos programas que foram ao ar na Rede Globo entre 1992 a 2010, Procurando Casseta & Planeta tenta reaproximar o telespectador o universo do humorístico. Seguindo o formato do ‘Povo Fala’ a atração do Multishow entrevista populares nas ruas ironizando o fim do Casseta & Planeta Urgente! e o seu enfraquecimento perante os programas concorrentes.

Além dos humoristas, Procurando Casseta & Planeta ainda conta com as participações de Arlindo Cruz, Kid Bengala, Danilo Gentili e Eduardo Sterblitch.

No Plano da Expressão iremos analisar os indicadores: ambientação, caracterização dos personagens, trilha sonora, fotografia e edição.

Por mesclar vários formatos, a série Procurando Casseta & Planeta explora distintas ambientações abrangendo tanto locações externas quanto cenários recorrentes. Como, por exemplo, no episódio Cadê Os Caras?, exibido em 17 de outubro de 2016, podemos observar sequências gravadas no centro da cidade do Rio de Janeiro e em um estúdio.

 c2

Os cenários tentam reproduzir o ambiente de trabalho dos humoristas e trazem elementos que dialogam com o programa Casseta & Planeta Urgente! No escritório de Hubert Aranha, por exemplo, podemos ressaltar a camisa do Tabajara Futebol Clube, a faixa de ex-presidente de Fernando Henrique Cardoso, que era satirizado pelo humorista, e a taça da copa do mundo, fazendo alusão ao longa metragem Casseta & Planeta: A Taça do Mundo é Nossa (2003). Nesse contexto, a ambientação contribui mais para o formato adotado pelo atração do Multishow que para os desdobramentos dos plots e sub plots.

c3 c4

No indicador caracterização dos personagens podemos ressaltar tanto os figurinos usados pelos humoristas em suas imitações quanto nas sequências do mockumentary. Isto é, a caracterização é norteada por duas vertentes, a que mostra as esquetes dos atores como, por exemplo, no episodio Cadê Os Caras?, em que Beto Silva faz uma sátira de uma cantora baiana, e quando falso documentário que acompanha o dia a dia dos humoristas.

c5

A trilha sonora de Procurando Casseta & Planeta é composta por musicas criadas especificamente para o programa como, por exemplo, ‘Cadê Os Caras?’. A canção, interpretada por Beto Silva, Cláudio Manoel, Hélio de la Peña, Hubert Aranha, Marcelo Madureira, Reinaldo Figueiredo faz alusão a temática da atração ironizado o fim do programa na TV aberta. A trilha também apresenta musicas de populares de outros cantores, executadas em momentos pontuais da atração, principalmente na passagem de uma cena para a outra.

A fotografia da série do canal pago Multishow segue o estilo naturalista e não interfere no desdobramento dos arcos narrativos. Apesar de a iluminação variar em algumas cenas como, por exemplo, nas sequências gravadas na casa noturna, o indicador não contribui para o universo do humorístico.

c6

Por fim, a trama segue uma edição não linear. Por mesclar diferentes formatos, um mesmo episódio temos a cenas dos programas antigos, depoimentos de populares nas ruas e mockumentary. Porém, como iremos discutir mais adiante esses múltiplos formatos são delimitados por setas chamativas, ajudando na compreensão do público.

No Plano do Conteúdo iremos destacar os seguintes indicadores: intertextualidade, escassez de setas chamativas, efeitos especiais narrativos e recursos de storytelling.

Por se tratar de uma série de humor e que aborda as questões do cotidiano e o fracasso dos humoristas, os diálogos de Procurando Casseta & Planeta são permeados por referências externas ao universo ficcional. Como, por exemplo, no episódio Cadê Os Caras? em que Kid Bengala cita o canal de humor no You Tube Porta dos Fundos. Nesse sentido, apesar de não serem fundamentais para a compreensão do público as intertextualidades ampliam a experiência televisiva do telespectador.

O indicador escassez de setas chamativas não foi observado na primeira temporada da série. As cenas dos 20 episódios apresentam cartazes narrativos dispostos convenientemente para ajudar o público a entender o que está acontecendo. Esse recurso pode ser observado na forma como a separação dos humoristas é abordada em Procurando Casseta & Planeta, constantemente os diálogos retomavam que o programa exibido na Rede Globo tinha sido cancelado. As setas chamativas também estão presentes na abertura da atração, através da letra da musica e das inserções gráficas a sequência mostra o grupo no auge do sucesso e depois vivenciando as quedas de audiência.

c7

Apesar ter clímax e reviravoltas, a série do canal pago Multishow não apresenta o indicador efeitos especiais narrativos. Os recursos são usados de maneira conveniente na trama e não estimula o telespectador a reconsiderar tudo o que assistiu até então.

O último indicador do Plano do Conteúdo está presente, principalmente, nas cenas que lembram os personagens populares da franquia.

c8

Os flashbacks são marcados por setas chamativas que evidenciam ao público que a sequência é uma analepse. Conforme pode ser observado nas capturas de tela acima, a cena apresenta um filtro que escurece a iluminação. Nesse sentido, da adoção do  flashbacks o programa ressalta para o público todas as suas mudanças cronológicas.

Por Daiana Sigiliano

Casseta & Planeta, Urgente!

casseta

Casseta e Planeta Urgente! foi um programa exibido pela Rede Globo de Televisão por 18 anos, entre 1992 e 2010, primeiro mensalmente, em uma faixa da programação global chamada Terça Nobre e, em 1998, conquistando episódios semanais, com duração média de 25 minutos.

Redigido e estrelado por Hubert, Cláudio Manoel, Bussunda, Hélio de laPeña, Reinaldo, Marcelo Madureira e Beto Silva, os artistas já haviam participado de programas da Globo escrevendo esquetes para Fantástico, TV Pirata e Dóris para Maiores. Antes disso, comandavam a revista Casseta Popular e o jornal Planeta Diário, periódicos humorísticos com circulação nos anos 1980.

No Plano da Expressão, o programa sempre foi composto por esquetes, sendo característica fundamental as paródias de novelas do horário nobre da Globo. Alguns quadros se mantiveram fixos por mais tempo, como a expedição Casseta Brasil Adentro e o Plantão Urgente. Mas a maior parte dos assuntos abordados era dividida entre clichês da comédia, com piadas já conhecidas e exploradas, e assuntos da agenda midiática do país.

Apesar da sátira e da construção grotesca de alguns personagens e situações, o programa se preocupava com a verossimilhança, por isso, cenários e figurinos eram muito bem produzidos e realísticos, assim como o roteiro era seguido fielmente, não permitindo improviso ou mesmo mostrando erros de gravação, características bastante comuns a programas similares.

Alguns personagens em especial marcaram os espectadores e deixaram na memória seus bordões, como o presidente Folgado Henrique Cardoso, sempre indignado: “Assim não pode! Assim não dá!”, ou a dupla de marombeiros, Maçaranduba e Montanha, com a frase “Vou dar porrada!”, usada para qualquer um que duvidasse da masculinidade deles. Gavião Bueno e seu fanatismo pelo jogador Ronaldo, Marrentinho Carioca e Os Sambabacas também estão nessa lista.

Além disso, o programa utilizava bastantes recursos gráficos inserindo animações em seus quadros, artes gráficas entre um esquete e outro ou até mesmo durante as cenas. A vinheta de abertura passou por várias modificações ao longo dos anos, mas sempre manteve a animação de uma cobra verde junto com o planeta Terra, que compunham o logotipo do programa.

No Plano do conteúdo, o indicador oportunidade foi bem avaliado devido à escolha de temas importantes abordados no programa, como violência, crise política, conflitos geopolíticos, Copa do Mundo, Pan Americano, Jogos Olímpicos, dentre outros acontecimentos paralelos às datas de exibição das emissões aqui avaliadas.

No entanto, o indicador ampliação de horizonte do público, muito dependente do anterior, não foi tão bem avaliado, pois as pautas citadas acima não são tratadas de maneira relevante, mas com ironia ou reafirmando clichês, como associar o Rio de Janeiro à violência, por exemplo. Além disso, o Casseta e Planeta, apesar das sátiras críticas, principalmente quando se trata de política, não deixa claro um posicionamento, transformando a abordagem em deboche.

O indicador desconstrução de estereótipos também não teve boa avaliação, já que o programa se baseia justamente no lugar-comum para fazer graça e utiliza comentários grotescos, trocadilhos vulgares e frases de duplo sentido em boa parte dos diálogos. Em 2003, por exemplo, o programa recebeu um manifesto do povo do Rio Grande do Sul que os acusava, entre outras coisas, de ser racista e ofensivo à honra e tradição do estado sulista. Os atores responderam que as considerações que faziam sobre gaúchos eram apenas brincadeiras e que nunca tiveram a intenção de ofender o povo daquele estado.

Já a diversidade de sujeitos representados foi considerada razoável, afinal, os personagens são de diversas etnias e gêneros, mesmo quando as mulheres são representadas por atores do sexo masculino. No entanto, a baixa classificação se deve à representação cênica de tais sujeitos, que reafirmam clichês e preconceitos.

O diálogo do quadro Plantão Urgente, do programa de 20 de junho de 2006, exemplifica bem os quatro indicadores acima citados. Na cena, um repórter vai falar sobre a polêmica do estado do Acre pertencer à Bolívia e não ao Brasil, e o fato dessa questão antiga atrapalhar assuntos políticos entre os dois países. No entanto, a oportunidade de discussão e debate se perde quando o presidente da Bolívia, descendente indígena, é representado grotescamente, além de falar em “portunhol” e ser debochado pelo repórter.

REPÓRTER: Na semana passada, o presidente da Bolívia, Pé Nuevo Morales, continuou enchendo o ‘tchaco’, radicalizou ainda mais e mandou o Brasil pra quele lugar que rima com o nome do nosso querido país. Não é mesmo, índio?
MORALES: É verdade. Nosotros somos unpuevo de los Andes, por isso estamos cagandes e andandes para el Brasil. E, no más, quiero de vueltael Acre!
REPÓRTER: Mas o senhor perdeu o lacre? Eu pensava que o sr. era espada!
MORALES:Soy espada e matador! Me refiro ao estado do Acre, que losbrasileños nos sacaram enla mano grande trocando por um cavalo. E tudo para plantar as seringueiras e depois los seringueiros, los chicos brasileños que passam lo dia inteiro sacando elleche de lo pau.
SERINGUEIRO: Não acredito que o sr. fez essa quizomba toda, arrumou essa presepada toda na geopolítica da América Latina só pra fazer, pela milionésima vez, essa piadinha de seringueiro tirando leite do pau! Ô, Lula, tu não vai fazer nada? Dá um pau nesse índio, rapá!
(Casseta e Planeta– episódio 20/06/2006).

Abaixo, o gráfico com a avaliação de cada emissão em relação ao plano do conteúdo:

Untitled 9

No plano da mensagem audiovisual, o Casseta e Planeta Urgente! foi muito bem avaliado no indicador clareza da proposta, considerado bom em dois episódios e muito bom nos outros três avaliados. Isso se deve à organização do programa, dividido em quadros e esquetes, à junção de todos os elementos do plano da expressão, e à fidelidade do programa ao seu lema “jornalismo-mentira e humor-verdade”, fatos que tornam claros a sua proposta.

O indicador de qualidade diálogo com/entre plataformas também obteve avaliação satisfatória em quatro dos episódios, pois o programa satiriza novelas e publicidades, além de falar de acontecimentos reais, como a Copa do Mundo, e terem participação e entrevistas com celebridades e personalidades conhecidas, trazendo verossimilhança ao programa. O que conferiu nota máxima ao episódio do dia primeiro de dezembro de 2009, nesse critério, foi, principalmente, o quadro Expedição Casseta Brasil Adentro, no qual a intenção do programa é viajar pelo Brasil mostrando as diferenças culturais que o país tem por meio de matérias especiais de comportamento e enquetes.

Já o episódio que recebeu nota razoável foi o de 20 de junho de 2006, um especial em homenagem a Bussunda, no qual não houve preocupação do programa em manter seu padrão, mas mostrar tudo o que o falecido humorista interpretou. Ademais, o Casseta e Planeta Urgente! tornou-se uma marca, com lançamento de dois filmes, oito livros, revistas e até CD’s.

Já a solicitação da participação ativa do público foi avaliada entre razoável e boa, pois há interação direta com o espectador e, em alguns episódios, um preview do próximo bloco antes do intervalo comercial. Além disso os produtos fictícios das Organizações Tabajara, além da sátira às publicidades televisivas, têm como objetivo entreter o espectador, como se fossem feitos para eles.

O indicador originalidade/criatividade não obteve notas tão relevantes quanto os outros indicadores da mensagem audiovisual, pois Casseta e Planeta Urgente! é uma reciclagem de outros programas que passaram pela Rede Globo, principalmente o TV Pirata, com suas paródias sobre a programação do canal, e o Dóris Para Maiores, do qual a principal influência foi a adoção de uma apresentadora.

Confira, abaixo, o gráfico referente a cada uma das emissões de acordo com os indicadores da mensagem audiovisual:

Untitled 10

Com base na análise feita é possível concluir que o Casseta e Planeta Urgente! trata-se de um programa de comédia, no qual não há preocupação com a desconstrução de conceitos arraigados.No modo de representação dos personagens e na construção de diálogos, o programa deixa a desejar quando se utiliza de tantos estereótipos, quando poderia, na verdade, desconstruí-los ou, no mínimo, amenizá-los em vez de reforça-los. Como visto, pautas atuais e relevantes foram abordadas, mas poderiam ter sido aprofundadas de forma a estimular o debate ou uma discussão sob novos pontos de vista.

Apesar de não trazer inovações quanto ao formato, o Casseta e Planeta explora muito bem os recursos audiovisuais, com roteiro bem estruturado e verossímil, e produção cênica bem elaborada. Assim como a interação com o público e a adaptação a outras plataformas, características muito claras no programa e que de certa forma trazem a ele um diferencial em relação a outras produções do gênero.

Por Lilian Delfino